Alamà offers through this series of saturated, vivid and imposing reds, a privileged peek inside the universe of the painter’s studio, the practice of working with life models and the vast plurality in sensuality. Red Studio synthesizes the many layers of technical research the artist has acquired over the last decade. Academicism and abstraction coexist again on the canvas: a new aesthetic chapter carried out by an overwhelming expressive force in the form of a dance between the measured and the vigorous brushstroke.

The work of any figurative painter is also the fruit of a dialogue with their models, a true collaboration. Every time the painter tries to capture the attitude and the pose of a model, we see a different character emerging. In this series, although some of the paintings represent the same model, we never see the same person twice. Only a slight change in posture, attitude or look is necessary to bring to life a whole new personality.

A clear boldness emanates from each character in a different way, confronting the viewer with their unapologetic nudity and forward attitude. They are engaging but not plainly offered to the viewer. We are only allowed to be accomplices in their beauty, exploring their bodies without reservation or deception.

Red Studio has been developed in parallel with another of Alamàs’s ambitious series of paintings illustrating scenes of Hell in Dante’s Divine Comedy. Both series have grown in the same space – the artist’s studio – a place that can too often become hell in itself. The fire of the Dantesque Hell seems to crawl into these classical anatomical studies and envelop the figures with an abrasive red enamel, the main unifying thread of the series. Similarly, the works from the #ClásicosDesollados series also make an appearance, engulfed in flames and hung at the bottom of the Red Studio‘s works.


(video by Gautier Ferrero)


Visit of Jordi Diaz Alamà’s studio in Barcelona | Jordi talked with us about his beginnings as a figurative painter, the creative process behind his series #ClásicosDesollados and the turning point that is his newest series inspired by Dante’s Divine Comedy. 


Inocencio X, Tribute to Velazquez and Bacon


In this work, Alamà constructs a complex synthesis between the canonical work of Velazquez (Portrait of Innocent X, 1650) and Francis Bacon’s own interpretation (1953), an obsession and an icon in his career. Between the majestic control of the Baroque and the phantasmagorical convulsion, Alamà places his tribute halfway, applying the techniques of cutting and suture, a typical aspect of the #ClasicosDesollados series, in one of the most iconic portraits of Western art.


Scyphozoa, Hommage to Géricault’s ‘The Raft of Medusa’


el rai de la medusa v2 - copia

In Scyphozoa, Alamà recuperates the pale feelings of those who have given up hope but continue keeping themselves alive and fighting to persevere in extreme circumstances. In the unfolding silhouette of the raft, we see the inner division of each individual which keeps the spirit alert to a possible salvation but knows that due to circumstances the destiny is death.

This is the second version of Scyphozoa, an alternate depiction of Géricault’s masterpiece.


Homenaje azul


The anecdote surrounding the creation of the portrait of Juan de Pareja by Velázquez is famous. De Pareja was the painter’s assistant firstly as a slave and later on as a free man. It is said that when Velázquez arrived in Italy to paint Innocent X, he had no sample of his work to show the Pope, who did not know his work. He decided to paint Juan in order to demonstrate his talent.

Through this portrait, Velázquez played a double game. On one hand, he dignified his assistant of humble background painting him in a pose used to portray powerful people. On the other hand, he knew the composition would undoubtedly seduce the pontiff, imagining himself in that position. Alamà revisits and reconstructs the masterpiece using the techniques used in his #ClásicosDesollados series and dives further into the historical anecdote, conferring more presence to Juan de Pareja.

By giving him an anachronistic and jovial Cruz de Calatrava, he recognizes De Pareja as a rightful painter of his own, creating a tribute both to Diego and Juan. The paint’s skins are layers of time, cracking and showing us this reconfigured full-size portrait in which control and expressive freedom coexist effortlessly.


Serie Negra (Black Series)


instagram rey

Following the pictorial discourse of #ClásicosDesollados, the Black Series presents a new twist in the personal reinterpretation of the classics. Alamà obscures the compositions and the narrative tone of his works by means of night skins and visual distortions. The Black Series perseveres in the game of intertwining paint coatings and historical layers.




(…) everything. It fills us. We arrange it. It collapses. We arrange it again, and collapse ourselves.
R.M. Rilke (1923)


When contemplating #ClásicosDesollados (Skinned Classics) for the first time, we get the feeling that Alamà is leading us into a new experience. We see how a moving reinterpretation of the history of painting unfolds in pursuit of an expansion of the codes for reading contemporary figuration.

Alamà steps over the abyss of what had already been painted, like a tightrope walker, and studies the landscape of such an immeasurable tradition that is complicated, or virtually impossible, to make a final twist around the figure, portrait and mimesis – all forms of representation of an elusive world that resists being interpreted. This is especially true in an image-centred society in which the furtive glance of the eye hardly allows any opportunity for a calm critique by the gaze on reality. In this state of equilibrium – through disfiguration and smudging, being both the creator and destroyer of the artistic object and with the gaze focused on a tense and threatening path – we can see how Alamà expresses present-day problems through canon characters and scenes. Their validity as testimony of the human is not based on time, but on timeless capture of our nature.

This complex collection of studies or ‘amusements’ – in the artist’s own words – is based on a meticulous selection of classical works as its backdrop. This includes works as it backdrop. This includes works by, among others, Velázquez, Goya, Géricault, Friedrich, Manet or Degas. It shatters the serenity – imposed by custom and passivity of the collective – and reminds us that they are surprising and alive objects.

We see how he favours the use of light desaturated tones that, like torn curtains, force us to search and make way for a renewed understanding of such iconic peaks. Alamà reworks the masters, applies wide acrylic stains buried beneath thick layers of resin, rips the canvases and relocates theirs folds just as a surgeon would do. He skins them; removing the hide and undressing the classic. […]

Alamà recalls milestones from the West to tear them apart, skin them and finally recompose them, anchoring them in the now thanks to an aesthetic and formal jolt that creates a delicate dialogue between yesterday and today.

Albert Font

Curator of the exhibition



La Cruz del Jubileo | 2016. Óleo sobre lienzo. 700 x 300 cms

La Cruz del Jubileo | 2016. Óleo sobre lienzo. 700 x 300 cms


Fruto de la voluntad de un donante que prefiere restar en el anonimato y de la Congregació dels Dolors, bajo el amparo del Obispado de Vic, Alamà recibió su primer encargo para la Iglesia, La Cruz del Jubileo. Fue elegido como el artista propicio para completar el interior de la Església dels Dolors de Vic gracias a esa capacidad de síntesis entre los modelos y la técnica clásicos y los motivos y la estética de nuestro tiempo, por el temple a la hora de captar una modernidad rabiosamente viva mediante códigos pictóricos centenarios. La obra narra un episodio ficcional de las Jornadas Mundiales de la Juventud, la entrega de la Cruz del Jubileo a Juan Pablo II, por iniciativa del cual ésta empezó su recorrido por el mundo tras el Jubileo de los Jóvenes de 1984, en el que se celebraba el año santo de la Redención. Es un acto de gratitud y de celebración, un tributo a la figura del Papa Wojtyla.

Esglèsia dels Dolors. C. dels Dolors, 1. Vic (Barcelona)

Presentación oficial de la obra: sábado 12 de noviembre, 17h.

La Cruz del Jubileo: proceso de creación.
30 x 28 cms, 90 páginas. Con imágenes a color. 40€



En esta colección, Alamà plasma algunos hitos de una realidad moderna, que sufre por ser moderna, sedienta de modelos, de prescripciones estéticas y de modelos de conducta. Presenta a sus personajes principales como los héroes inaccesibles de una era contemporánea. En una sociedad en la que las tendencias y las modas son las crestas de un recorrido incierto y turbulento, son los personajes quienes se erigen como constantes, como nuevos reyes y líderes relativos de una sociedad hambrienta de patrones, voraz consumidora de imágenes, ansiosa por vivir ya en el mañana aferrada a los presuntos estandartes del hoy. Futbolistas, cantantes pop de turno, callejeros sentidos, metropolitanos en atalayas de humo, fashion victims, son los encargados hoy de predicar el modelo a seguir. Hamelín sigue tocando y en el río hay una fiesta.

Diaz Alamà recibió el Premio de Pintura de la Fundació Vila Casas en Septiembre de 2016 y una Mención de Honor en la categoría de Figurativo en el International ARC Salon Competition por «El Trono de Hamelín»



Esta colección es como una noche larga en el transcurso de la cual se van iluminando rincones de una ciudad opaca gracias al pincel de Alamà, rincones en los que aparecen, en medio de mobiliarios fastuosos y telas nobles que se diluyen, personajes inquietantes, figuras que se exponen y se lanzan hacia delante con una mirada o un gesto pero que guardan su carácter para sí, enmascarado por la noche y por una áurea de ficción y juego, por un velo nocturno que se sirve de la sensualidad, el morbo y la fuerza para dar cobijo a la fragilidad y la intimidad. Aquí, Alamà trabaja con lances de exotismo y texturas insinuadas, con una calidez arrebatada que transcribe una realidad fría y perturbadora. En esta serie vemos Alicias que ni caen en el sueño ni vuelven al mundo de las cosas, madrigueras en las que luchan la verdad y aquello que se exhibe, proyecciones de un mundo entro dos mundos, escenarios de un subconsciente plagado de perversiones que buscan la manera de abrirse paso.



Esta colección se parte de la premisa de que todos tenemos un precio. También es conocida como la serie de los rojos. Es una serie que trabaja en dos niveles. La sensualidad pretende ir por delante, funciona tonal y temáticamente como un basso ostinato, pero es la exposición de la fractura y de la fragilidad la nota que impera, la nota aguda y cortante que nos hace comprender que esas mujeres han sucumbido a algún tipo de perversión que les es en realidad ajena. En la lucha por mantener una postura de fuerza ante la manifestación abierta de una sexualidad extralimitada, Alamà hace resurgir en los rostros de esas mujeres, la sospecha de una impostura, sonrisas de plástico, serenidades frágiles, atrevimientos ciegos.

Una de ellas busca en los restos de te, en el fondo de una taza, los motivos por los cuales ha aceptado ir tan lejos. Otra abre los brazos sentada en el sofá, desafiante, mientras sus piernas se atrincheran huyendo de la agresividad que ella misma se impone y finge.



Estamos ante un retrato colectivo de los compañeros de generación de Alamà. Éstos aparecen con aire despistado, en medio de un rellano entre escaleras, como si no supieran qué camino tomar, si subir, si bajar o si quedarse quietos. La obra es una alegoría del sentimiento de frustración de toda una generación que, justo después de finalizar sus estudios, vio cómo la economía de Occidente se desplomaba, cómo las oportunidades de trabajar dignamente se difuminaban, cómo la pretensión y el trampantojo de bonanza de finales de siglo se desvanecía ante los retos del nuevo milenio. Retrata una generación que se quedó desnuda en el rellano de la historia, que se replegó sobre sí misma, desorientada, bajo el triste amparo de una luz fluorescente, artificial y fría. Sin embargo, uno de los personajes mira hacia el tramo superior de escalera. Sabe que incluso descalzo o a ciegas hay que seguir subiendo, seguir viviendo y encontrar el camino.

Obra ganadora del concurso Figurativa’s 11 organizado por la Fundación de las Artes y los Artistas conjuntamente con el MEAM de Barcelona.


This is a collective portrait of Alamà’s generation of companions. They appear absent-minded, in the middle of a landing between stairs, as if they do not know which way to go, whether to go up, down, or stand still. The work is an allegory of the sense of frustration of an entire generation who, just after finishing their studies, saw how the economy of the West collapsed, how the opportunities for decent work vanished, and how the pretense of the bonanza of the end of the century vanished in the face of the challenges of the new millennium. It portrays a generation that stood naked on the landing of history, that withdrew into itself, disoriented, under the sad shelter of a cold, artificial, fluorescent light. However, one of the characters looks towards the upper flight of stairs. He knows that even barefoot or blind, he has to go on climbing, go on living, and find his way.

Winner of the Figurativa’s 11 competition organised by the Fundación de las Artes y los Artistas in conjunction with the MEAM in Barcelona.



En esta obra confluyen dos actitudes en apariencia antagónicas. Chon acepta que el momento del juicio ha llegado. Aquí, el juego es de una delicadeza notable. La obra captura una paz insegura, una serenidad rota, el talante de una tristeza domada. El listado de oxímorones no es gratuito. La cara de esta mujer de mediana edad lucha por mantener la dignidad y la calma, dislocando su cara como expresión de la torsión de su ánimo; el contorno de los ojos se relaja pero la mirada es dura como el acero; los hombros bajan porque han aceptado su destino pero los brazos y las manos, tensando la cadena, no lo aceptan. En ese último gesto, Chon es víctima y verdugo pues nos remite a una de las parcas, personificaciones del destino de la tradición clásica, concretamente a aquella que sostiene el hilo, pendiente de que las tijeras del destino acaben con todo.

Obra seleccionada para el concurso BP Portrait Award 2011 organizado por la National Gallery de Londres.


Two seemingly antagonistic attitudes converge in this painting. Chon accepts that the moment of judgment has arrived. The work captures an insecure peace, a broken serenity, and the mood of a tamed sadness. The list of oxymorons is not gratuitous. The face of this middle-aged woman struggles to maintain dignity and calm, dislocating her face as an expression of the twisting of her mood; the contours of the eyes relax but the gaze is as hard as steel; the shoulders drop because they have accepted their fate but the arms and hands, tightening the chain, do not accept it. In this last gesture, Chon is both victim and executioner, as she reminds us of one of the grim reapers, personifications of destiny in the classical tradition, specifically the one who holds the thread, waiting for the scissors of destiny to end it all.

Work selected for the BP Portrait Award 2011 competition organised by the National Gallery, London.



En este grupo de obras, Alamà se sumerge en una reflexión sobre las propiedades del arte como dilatador de las posibilidades del mundo. Mediante el mundo de la danza, de la mano de unas bailarinas desdobaldas en los espejos de los salones y gracias al movimiento y la expansión expresiva de sus figurantes, vemos cómo la expresión del cuerpo siembra el espacio de elementos fantásticos y disturbios espacio-temporales, tanto en la psique de los que crean o interpretan, como en la del que goza de esa superación de lo meramente tangible.

Son obras escindidas compositivamente que, sin embargo, aluden a una síntesis entre lo real y los horizontes en potencia a los que nos arrojan la música, la danza, la letra, la pintura y todas las disciplinas al alcance del hombre determinadas a dinamitar los límites de lo dado.


In this group of works, Alamà immerses himself in a reflection on the properties of art as a dilator of the possibilities of the world. Through the world of dance, by the hand of dancers in the mirrors of the salons and thanks to the movement and expressive expansion of their figures, we see how the expression of the body sows the space with fantastic elements and spatio-temporal disturbances, both in the psyche of those who create or interpret and in that of the one who enjoys this surpassing of the merely tangible.

They are compositional split works which, nevertheless, allude to a synthesis between the real and the unlimited horizons of music, dance, writing, painting, and all the disciplines within man’s reach.



En esta serie, Alamà se preocupa por capturar uno de los momentos intrínsecos del proceso de pintura al natural con modelo. Concretamente, el único que no responde al proceso creativo en sí, el momento de pausa, de descanso, el momento en que el/la modelo deja de posar, abandona el personaje y se cubre para no tomar frío a la vez que se viste de nuevo con su propia y auténtica actitud. Alamà capta de este modo, utilizando espacios reales en los que desarrollaba su obra, a modelos que retoman su propiedad individual, que se salvan de la cosificación u objetualización como elementos de una composición para, en el transcurso de una toma de aire, insuflarles una vida redoblada, real, sin imposturas. De ahí el trabajo con una luz pura y natural, que penetra los estudios, recordándonos que la figuración persigue comprender el mundo real, el que también se expande entre bastidores mientras un/a modelo toma un poco de agua, retoma la temperatura y respira, veraz.


In this series, Alamà tries to capture one of the intrinsic moments in the process of painting from life with a model. Specifically, the moment of pause, of rest, when the model stops posing, abandons the character and covers him/herself so as not to catch a cold, revealing his/her own authentic attitude. Using the real spaces in which he developed his work, Alamà shows the models far from the usual objectification as only elements of a composition. The natural light which penetrates the studio reminds us that figuration seeks to understand the real world, like a behind-the-scenes snapshot while a model drinks water and breathes, truthfully.



En esta serie, Alamà reflexiona sobre la fortaleza interior de las mujeres en situaciones extremas. A modo de ejemplo, la obra de Paty quiere y no puede nos muestra una prostituta con una mirada firme, mirando hacia el exterior, hacia una salida de la cual tiene las llaves pero le da miedo tomar. Su cuerpo se inclina de forma inconsciente hacia lo conocido, hacia el peso de la costumbre, hacia el teléfono rojo que dictará su próximo trabajo: el peso de las circunstancias, de la inercia y de la costumbre, en litigio eterno contra la voluntad de superación, salvación y ruptura.


In this series, Alamà reflects on the inner strength of women in extreme situations. By way of example, the work Paty quiere y no puede shows a prostitute with a firm gaze, looking outwards, towards an exit to which she has the keys but is afraid to take them. Her body unconsciously leans towards the known, towards the weight of habit, towards the red telephone that will dictate her next job: the weight of circumstances, of inertia and habit, in eternal litigation against the will to overcome, salvation, and rupture.